誰かがまだ気付いていないなら、私たちはあなたに思い出させます：我々は伝説的なアメリカの写真家ブルース・バーンバウムによる壮大な本を出版しました「 写真の本質：見る能力と創造する能力 」
アンダーカット-写真作品の秘密に関するバーンバム氏の思慮深く、少し冗長な記事の翻訳。 私たちは本のティーザーを言うでしょう。
みんな読書を楽しむ
物事を見るのは簡単です。 私たちはそれについて考えることなく、常にそれらを見ています。 時々、私たちはこの主題またはその主題に目を向けますが、どれくらいの頻度で私たちが見ているものを本当に見ますか？
この本は写真の本質です。 見ることと作成する能力は、写真家が外部の観察者になれないことを示しています。 写真家は、舞台（スタジオ）、ストリート、建築の風景、またはその他のオブジェクトに関係なく、シーン内のオブジェクト間の関係をキャプチャする必要があります。 写真家は、シーンの要素が形、形、色調、色でどのように相関しているかを見て、目の前で開く3次元パノラマのコンテキストでこれらの関係を考慮する必要があります。 写真家は、前景の色、線、輪郭、陰影が色、輪郭などとどのように組み合わされているかを認識しなければなりません。 中央と背景。 写真家は、10センチメートル右に移動するだけで十分であることに気付くはずです。目の前のパノラマ全体が大幅に改善されます。 肖像写真家は、写真をより表現力豊かにするために、明るい背景または暗い背景に座る方法、または複雑なインテリアや地面でより有利な位置を選択する方法をモデルに伝える必要があります。 写真家は照明の種類を理解し、それぞれの長所と短所を知っている必要があります。 ある状況で理想的な照明は、別の状況では受け入れられない場合があります。
光と創造性
シーンを装飾するような光と、そこから注意をそらすだけの光とを区別することを学ぶには、経験が必要です。 カメラは光のみをキャプチャするため、写真家は、光を見て、光がライン、輪郭、色、寸法、およびシーンの他の側面を強調または損なう方法を理解する必要があります。 実際、人は照明ではなく物を見ることに慣れているため、光を見る能力は経験を積んで得られます。 私たちは誕生以来、これを行ってきました。 赤ちゃんは、お母さん、お父さん、そして彼にとって重要と思われる他の物体を認識することを学びます。 しかし、誰もお母さんや他の誰か（何でも）を明暗法のコレクションとして見ようとはしていません。 人は、線、輪郭、図の相関関係を学ばない-たとえば、母親の楕円形と父親の顔はどのように似ているか、どのように違うのか。 いいえ、人はそのような顔の特徴に注目しています。 そのため、線、形状、輪郭の組み合わせとして、照明のコンテキストで特定のシーンの要素を考慮する能力は、それ自体では決して得られません。 写真の視覚を研究する必要があります。
目とカメラの見方が異なるため、これは困難です。 シーンを肉眼で調べると、アイリスが拡大してシーンの最も暗い部分がよく見えるようになり、最も明るいスポットが目を遮らないように狭くなります。 したがって、本質的には、可変絞りを持つあらゆるシーンを見ることになります。 しかし、カメラのシャッターを放すと、シーン全体が1つの開口部（設定した開口部）にキャプチャされます。 写真を準備する過程でコントラスト制御の技術的な複雑さを理解していない場合（従来のフィルム露出またはデジタル撮影について話すことができます）、最終画像に保存する予定の多くの情報を失う危険があります。
この問題は、カメラにレンズが1つしかなく、両眼視があるためにさらに悪化します。 つまり、左目と右目で同時にシーンを見るため、カメラが捉えられない深さを獲得します。 片目でシーンを調べてみてください-その深さが著しく弱くなることがわかります。 写真の深さを伝えたい場合、「片目」のカメラが異なる照明条件の下でシーンを「見る」方法を理解し、どの照明がシーンの深さを強調するのに役立つかを認識する方法を学ぶ必要があります。
これはすべて非常に複雑です。 驚くべきことに、多くの人が「私はカメラを手にした-ここで私は写真家だ」と考えています。 「私はペンを持っている-ここで私は作家だ」と言っているのと同じです。 すべてが完全に間違っています。 写真は非常に複雑な場合があります。 しかし、写真に生来の才能を持ち、この芸術をより早く習得する人もいます。
私のセミナーに興味を持っている人々、または私の学生の何人かは、「彼らに目を向けている」としばしば言いました。 本当にいくつか。 原則として、彼らは美しいシーンを見つけることができることを意味します。 そして、私は彼らを失望させたくはありませんが、ほとんどの人が適切なシーンを見つけることができることがわかりました。 ヨセミテ渓谷で最初に自分を見つけた人は、その美しさにほとんど注意を払うでしょう。 しかし、ほとんどの人にとって、その後は「訓練された目」を持っているように見えるでしょう。 いいえ、それほど単純ではありません。 観察者の写真家は、ある角度からシーンを見ると単純に印象的なフォーム間の相互接続をキャッチできますが、それほど目立たないので、視点を少し変える価値があります。 「目は訓練されている」とは、どんな天候やどんな照明でこのシーンが異常に見えるか、どのような条件下でそれがかなり目立たないかを理解することを意味します。 経験豊富な写真家は、ほとんど24時間そこに支配するbus騒の混雑した交差点で、異常で特に興味深いシーンにすぐに気付くことができます。 経験を積むことで、人の顔に当たる光の強さと種類が、興味深い頭の回転と相まって、「重要なスピーチ」を与える「VIP人物」のスタジオショットまたは写真の大部分から目立つ豪華なポートレートを作成できる瞬間に気付くことができます。これは、日刊紙の6ページにあります。
良い写真を作成するには、光とシーン内のオブジェクトの相互接続を確認する必要があります。 カメラがどのように見えるかを学ぶ。 カメラが人として見えるようになれば素晴らしいのですが、残念ながら、これはオプションではありません。
創造性の反映としての個人的な関心
光を見て、オブジェクト間の相互接続をキャプチャする技術を習得するとき、テーマを選択してリズムを選択する必要もあります。 アンセル・アダムスは、風景、あるいは山、そして彼の最高の写真が好きだったことは間違いありません-そのような壮大な風景を描いたものだけです。 おそらく彼は良いポートレート写真家になるでしょうが、彼のパフォーマンスのポートレートは間違いなくそのような風景と比較されず、彼は彼が持っている名声を獲得しなかったでしょう。 おそらくアウグスト・ザンダーは良い風景写真家だろうが、彼が作成したドイツ人労働者の肖像画は見事で、刺激的で、鋭い画像だ。 これらおよび他の偉大な写真家は常に特定のジャンルに引き寄せられてきました。それは彼らにとって特に重要であり、徐々に他のトピックから離れていきました。 それが彼らがそのような傑出した仕事を得た理由です。
私の興味は、風景写真から抽象化、そして記念碑的な古代建築へと進化しました。 私のキャリアを通して、私は既存の興味を完全に逸脱することなく拡大しようとしました。 その他の動作は異なります。 誰かがすぐに興味を持って識別し、常にそれらに固執します。 興味を簡単に変えて、古いものを捨てて新しいものに固執する人もいます。 他の人は、さまざまな興味から始めて、彼らの年の終わりまで、彼らが働く1つか2つのトピックに徐々にスペクトルを狭めます。 どのアプローチが正しいですか？ どちらが間違っていますか？ すべてのオプションが優れており、多かれ少なかれ勝つことはありません。 あなたの創造的な方法はあなたの興味を満たす必要があります。 私にとって有用なものは、あなたや他の写真家に合わないかもしれません。逆もまた同様です。 そのため、独自の関心を策定し、キャンバス、独自のクリエイティブパスを見つけることができます。 そのため、自分の興味が変化し、拡大し、より具体的になる可能性があることを認めます。 あなたとあなただけが写真から欲しいものを決定できることを理解してください。 それがどのように見えるか、あなたがデモンストレーションしたいもの、避けたいもの、強調するもの、つまりあなたの写真が何を伝えるべきかを決めるのはあなた次第です。 彼女はあなたのものであり、時間が経つにつれてあなたのスタイルとコースを開発します。
フォトアートの教師の中には、学生を興味のある狭い領域に制限するように促しているところもあります。 私はこのアプローチに反対です。 各人は多面的です。 もちろん、人生には多くの興味があります。 写真への関心を1つだけに制限するにはどうすればよいですか？
クリエイティブな画像-写真のリズムに従う
ジャンルを選択し、それを探求し、そこをナビゲートし、その中でどのように作業するかを徐々に理解する必要がある写真家がいます-そして、彼らは写真の傑作を取得し始めます。 そのような進化を遂げた写真家を何人か知っていました。 写真家自身は、選ばれた主題に対する熱意でただ輝いていましたが、彼らの最初のショットは輝いていませんでした。 しかし、時間が経つにつれて、彼らは正しい方法で調整し、写真はより面白く、洗練され、深くなりました。 写真家は自分の道を見つけ、信じられないほどの強さ、優雅さ、そしてスキルでそれに沿って動きました。
オレゴン大学で長年写真学部を率いていたハリソン支部は、写真を撮ろうとする新しい場所を初めて調べ、最初は常にカメラなしでそこに来ました。 その場所が彼にとって面白そうだと思えば、彼は再びカメラなしでそこに戻って、すべてのニュアンスをよりよく考えます。 最後に、いくつかの訪問の後、彼はすでにカメラを持って来て、写真を撮りました。
私はハリソンのようにまったく働いていません。 実際、ハリソンのように働くことはできませんでした。 合同セミナーでは、このようなアプローチの違いについて生徒と話し合いました。 通常、私はすぐに物事に気づき、積極的に反応するか、まったく反応しません。 新しい場所に着いたら、ほとんど準備なしでそこで最も強力な写真を撮ります。 徐々にこの場所を探索して、より繊細な作品の資料を見つけました。
なぜ最も興味深いものをほとんどすぐに見ることができるのかわかりませんが、判明しました！ 私は何度も何度もこれに気づきます。 私の自発的な反応とハリソンの徹底的な分析のどちらが正しいのでしょうか？ 両方とも正しいです。 ハリソンの方法は彼にぴったりです。 彼は彼のリズムを知っており、彼自身のやり方で最高に働きます。 私は私のものです。 独自のスタイルを開発する必要があります。 私の方法とハリソンの方法は2つの極端であり、いくつかの中間オプションは他のオプションに適している可能性があります。 素晴らしい。 最適なリズムで、自分に都合の良い速度で作業する必要があります。 迷子になる-ゲームから飛び出します。 快適なゾーンを目指してください。
ツールが創造性に与える影響
多くの点で、デジタル写真は写真に対するアプローチに完全に革命をもたらしました。 通常、写真家は最初に目を向け、次に撮影し、時間をかけて画像を構成し、フレーム内の関係を検索してからシャッターを放します-街頭写真などのダイナミックなジャンルに特化した場合でも。 今日、デジタル写真家の大多数は最初に写真を撮り、それからそれらを見る。 最初に画像が露出され、次にカメラのディスプレイで何が起こったかを確認します。 デジタルカメラの場合、このスタイルの作業は自然です。ショットが気に入らない場合は削除するだけです。 これはフィルムではできません。前のフレームから次のフレームに常に移動しています。 デジタル写真は間違いなく解放され、より多くの写真を撮ることができますが、これは両刃の剣です。なぜならこの場合、多くの率直な結婚が判明するからです。
私の意見では、「写真のリズム」は別のものです。 あなたはただ望み、望み、ボタンを押し、そして何が起こったのかを見てください。 ここには個人的なリズムはありません。 量を追求するだけで、運が良ければ品質に変わり始めます。 私自身はいくつかのデジタル露出を削除できることを認めなければなりませんが、ほとんどの場合、実際には、選択したシャッター速度内に収まるコントラストを推測しませんでしたが、あまりにもシャープであることが判明しました。 または他の同様の理由のため。 しかし、構図がうまくいかなかったからでも、絵が目をひどく傷つけたからでもありません。
写真の本質
もちろん、これだけではありません。 写真を通して意味を持ち、少し重くさえなるように、写真を通して自己表現を学びます。 ここでは、視覚的な調査、実験、そしてもちろん個人的な満足なくしてはできません。 ステージ化されたステージまたはナチュラルステージを見つけ、それが表現にどのような可能性があるかを認識する必要があります。 アンセル・アダムス、エドワードまたはブレット・ウェスト、コーネル・キャパ、イモジェン・カニンガム、またはセバスチャン・サルガドほど印象的な写真を作成するよう努力する必要があります